¿Qué es una estrella de cine?

Naomi Watts se ha forjado una imagen atractiva pero
seria gracias a unir esfuerzo a su natural belleza

Una estrella es un cuerpo celeste que brilla con luz propia. ¿Y una estrella de cine? Pues lo cierto es que lo mismo. Las estrellas son actores que brillan sin importar la película en que se encuentren, y que arrastran a los espectadores a las salas más que las propias tramas de los films o la calidad de éstos. Ayer tuve la oportunidad de asistir a un debate con uno de los productores de la película Lo imposible (Juan Antonio Bayona, 2012) y una de las primeras preguntas que recibió del público fue: “¿por qué elegisteis estrellas internacionales para interpretar a una familia española?”. Y él fue claro: hoy en día, la única forma de realizar una película de alto presupuesto es contar con un reparto que atraiga a los inversores y garantice el éxito del film, y, a la hora de hacer una película sobre el Tsunami en Tailandia, el alto presupuesto es imprescindible. Yo era el primero en criticar al film por esta decisión, pero creo que ante esta explicación no hay argumento posible.

Los personajes de 'El Señor de los Anillos': comparativa libro / película

En lo que al género fantástico respecta, tanto los libros de El señor de los anillos, escritos por J. R. R. Tolkien, como las adaptaciones cinematográficas de Peter Jackson se antojan imposibles de superar. Considerando que durante medio siglo se creyó que el salto al cine era imposible, las películas son más que fieles, pero algún que otro cambio resulta inevitable. Veamos cómo afecta esto a sus héroes y villanos.

● Frodo (Elijah Wood). El protagonista de la trilogía es, pese a su aparente sencillez, uno de sus personajes más complejos y, por consiguiente, difíciles de adaptar. Frodo Bolsón es un pequeño hobbit, claro, pero también mucho más que eso: por un lado, es tremendamente reflexivo y autoconsciente; por otro, se deja inevitablemente llevar poco a poco por la oscuridad del anillo. Esto último puede llevarnos a pensar que es débil y ambiguo, cuando realmente es gracias a su fuerza y su bondad que la misión resulta exitosa. Elijah Wood tenía poca experiencia cuando recibió el papel de su vida y cumplió su cometido, si bien parte de la sabiduría que el personaje desprende en el libro se perdió en la adaptación, que concede mayor importancia a los momentos más dramáticos y desesperanzados, incluso llevándolo en un momento a renegar de Sam en una escena muy dolorosa que Tolkien nunca escribió.

'Sauvage': animal herido, chapero

Pese a la creciente visibilidad del colectivo gay, la prostitución masculina parece seguir al margen de la sociedad, quizá a raíz de la privacidad que suele exigir la clientela. ¿Pero cómo es realmente la vida de un chapero? Las respuestas varían, pero pocos tienen siquiera alguna en la mente. En su extraordinaria ópera prima, el francés Camille Vidal-Naquet retrata a uno de ellos: el sensual pero desarraigado Léo, cuya vida ficticia no debe tomarse de referencia pero sí sirve para ir más allá de la objetivación del cuerpo y hasta el alma que este modo de vida acarrea. Sin prejuicio alguno, Sauvage (2018) derriba barreras entre la prostitución masculina (o, al menos, quienes la ejercen) y la sociedad contra la que el propio título se rebela. Y lo hace de un modo difícil de olvidar.

El sexo es omnipresente en Sauvage,
pero desde perspectivas opuestas

Léo (Félix Maritaud) ha optado por una vida que dista de lo que la mayoría consideraría vida siquiera, no pretendiendo la película explicar su motivación más allá de una evidente necesidad interna e imperante de seguir viviendo del único modo que parece conocer, o sea, de sobrevivir: cualquier salida se antoja inviable, lo que vuelve el visionado tan frustrante como la existencia misma. El descarnado y naturalista trabajo fotográfico del también primerizo Jacques Girault sigue al introspectivo personaje como si de su propia sombra se tratara, retratándolo como un animal herido que, al igual que cualquier perro callejero, tan sólo desea algo de cariño, pero no necesariamente de quien puede granjeárselo. La generosidad con que ofrece no ya su cuerpo sino incluso su corazón es devastadora. 

20 actores muy especiales (Aniversario del blog V)

Ha transcurrido un quinquenio desde el nacimiento de La estación del fotograma perdido; sí: cinco años durante los que tantas cosas han cambiado y otras tantas han permanecido igual: entre las segundas, mi pasión por el séptimo arte; entre las primeras, mis conocimientos sobre el mismo. Festejé el primer aniversario pidiendo a 10 críticos amigos que seleccionaran sus películas preferidas; el segundo, con mis 10 directores preferidos, el tercero, con mis 100 películas preferidas, y el cuarto, con mis 20 actrices favoritas, con lo que, tal y como cabía esperar, ha llegado el turno de los actores. Os dejo, por tanto, con  mis veinte intérpretes masculinos preferidos, así como con unas líneas sobre todos y cada uno de ellos para que entendáis qué es lo que me apasiona tanto de ellos. 

Mi papel favorito de Colin Firth:
George (Un hombre soltero, 2009)

20. Colin Firth (10 septiembre 1960 / (Grayshott (Hampshire​), Reino Unido). Siempre distinguido, Colin Firth fue el perfecto señor Darcy de la miniserie Orgullo y prejuicio (Simon Langton, 1995), rol que obtuvo tras pasar una década relativamente desapercibido pese a protagonizar cintas tan interesantes como Otro país (Marek Kanievska, 1984) y Valmont (Milos Forman, 1989). Gozó entonces de pequeños roles en oscarizados filmes como El paciente inglés (Anthony Minghella, 1996) y Shakespeare enamorado (John Madden, 1998) antes de saltar definitivamente a la fama como el estirado Mark Darcy de El diario de Bridget Jones (Sharon Maguire, 2001), un personaje precisamente ligado a la mentada obra de Jane Austen. La importancia de llamarse Ernesto (Oliver Parker, 2002), La joven de la perla (Peter Webber, 2003) y Love Actually (Richard Curtis, 2003) lo mantuvieron ligado al género romántico, pero los infravalorados entretenimientos La niñera mágica (Kirk Jones, 2006), La última legión (Doug Lefler, 2007) y ¡Mamma Mia! (Phyllida Lloyd, 2008) le permitieron desencasillarse antes de alcanzar la cima de su carrera con Un hombre soltero (Tom Ford, 2009) y El discurso del rey (Tom Hooper, 2010), optando al Óscar por la primera y ganándolo por la segunda. Sin embargo, desde entonces su producción más destacada ha sido la comedia de acción Kigsman: Servicio secreto (Matthew Vaughn, 2014), que sacó partido de sus modales británicos.

La belleza poética de Liv Tyler

A la hora de seleccionar una actriz para el papel de la princesa elfa Arwen para la trilogía de El Señor de los Anillos (2001-2003), los productores pensaron rápidamente en la bellísima Liv Tyler, hija del vocalista de Aerosmith Steven Tyler y la modelo Bebe Buell (quien, por cierto, hizo creer a la chica que su padre era el músico  Todd Rundgren). Por aquel entonces, la actriz había protagonizado una docena de interesantes films que, por unos motivos u otros, no le habían permitido brillar como ella podía.

El Señor de los Anillos. El retorno del rey obtuvo
el premio a mejor reparto del Sindicato de Actores

El personaje de Arwen, la más hermosa de los habitantes de la Tierra Media, le venía como anillo al dedo. Sin embargo, era un papel arriesgado: la belleza debía ser acompañada de estilo y una gracia casi etérea que pocas actrices podrían emular. Tyler encarnó al personaje con tal poderío que los productores decidieron aumentar la importancia de su personaje en la saga y presentarla en los pósteres promocionales de los tres filmes pese a que su relevancia en la novela original era bastante escasa. Ciertamente, sus poéticas escenas se encuentran entre los mejores momentos de tan maravillosa saga.

La saga 'Harry Potter': siete libros, ocho películas, infinita magia

La llegada a Hogwarts de La piedra filosofal es
uno de los momentos más mágicos de toda la saga

Aunque las apariencias llevan a pensar que Harry Potter es el típico proyecto cinematográfico nacido con el único afán de inflar las arcas de Hollywood, lo cierto es que la historia que hay detrás es bastante más íntima y romántica. De hecho, la planificación de esta saga comenzó antes de que los libros fueran famosos siquiera, o sea, coincidiendo con la publicación de Harry Potter y la piedra filosofal en 1997 (siete años después de ser concebido). En aquella época, David Heyman se encontraba en Hollywood buscando un libro infantil que pudiera ser llevado a la gran pantalla; su primera opción fue The Ogre Downstairs, (Diana Wynne Jones, 1974), pero su equipo de producción, Heyday Films, le hizo llegar una copia de la novela de J. K. Rowling, de la que se enamoró al instante. El productor llevó entonces el proyecto a Warner Bros., estudio con el que tenía un acuerdo de colaboración, y juntos lograron convencer a la que ahora es la escritora más rica del mundo de que cediera sus derechos (recibiendo un millón de libras por los cuatro primeros libros). Las condiciones de la autora fueron estrictas, pero también clave de la calidad de las producciones: el control de la historia quedaría en sus manos, las secuelas se limitarían al material hallado en los libros y el reparto lo constituirían eminentemente intérpretes británicos.

Globos de Oro 2017 en 10 puntazos

La 74ª edición de los Globos de Oro se ha cerrado con el indiscutible triunfo de la maravillosa La ciudad de las estrellas (La La Land). Como ya está todo dicho sobre el palmarés, os dejo mi selección de los 10 puntazos de la ceremonia.

Aaron Taylor-Johnson rompe quinielas ganando
el Globo de Oro por Animales Nocturnos

10. El inesperado triunfo de Aaron Taylor-Johnson. En una entrega de premios tan previsible como esta, siempre es un placer que algún vencedor dé la campanada. Este fue el caso de  Aaron Taylor-Johnson, protagonista de la franquicia Kick-Ass, quien se llevo mejor interpretación masculina secundaria pese a que Mahershala Ali hubiera ganado antes casi todos los galardones de la temporada por Moonlight. Lo hizo por Animales nocturnos, cinta apartada de la categoría principal pese a que Tom Ford fuera nominado como mejor director y guionista, misma situación acontecida en los BAFTA que probablemente no se repita en los Oscars (donde las nominadas pueden ser más de cinco).

20 actrices muy especiales (Aniversario del blog IV)

Ya van cuatro años de La estación del fotograma perdido y, como siempre, toca festejarlo. Celebré el primer aniversario pidiendo a 10 críticos amigos que seleccionaran sus películas preferidas; el segundo, con mis 10 directores preferidos, el tercero, con mis 100 películas preferidas y, en esta ocasión, lo hago con mis 20 actrices favoritas (¿es fácil adivinar de qué irá el siguiente, no?). Reducir tan grandes intérpretes a unas líneas es insuficiente, pero he intentado incluir en las descripciones de todas ellas los títulos más representativos, de modo que este artículo os sirva de guía para explorar sus interesantes carreras (sean estas más o menos amplias). Sobra decir que estas veinte estrellas no están seleccionadas (u ordenadas) en función de parámetros objetivos, sino que se trata de una elección tan subjetiva como personal para la que sólo el corazón ha sido escuchado. ¡Espero que la disfrutéis!

Mi papel favorito de Maggie Cheung:
Su Li-zhen (Deseando amar, 2000)

20. Maggie Cheung (20 septiembre 1964 / Hong Kong, China). ¿Qué sería de la magistral Deseando amar (Wong Kar-Wai, 2000) sin los movimientos sinuosos de Maggie Cheung? Pues, bien, con anterioridad la intérprete ya había trabajado en decenas de producciones, pero ella admitió que las únicas que significaron algo para ella fueron Song of Exile (Ann Hui, 1990), Center Stage (Stanley Kwan, 1992) y Comrades: Almost a Love Story (Peter Chan, 1996). Tras la que siempre será su película clave, Cheung voló bellamente por los aires en el Hero (2002) de Zhang Yimou y se convirtió en la primera actriz asiática galardonada en Cannes gracias a Clean (2004), donde fue dirigida por su propio marido, Olivier Assayas (a quien conoció rodando la peculiar Irma Vep, 1996).

'El incendio' (de una pareja)

Lucía y Marcelo, una pareja de treintañeros, se dirige en coche con cien mil dólares a pagar su futura casa, pero el vendedor no llega a tiempo y la escritura se posterga. Alterados y frustrados, regresan a un apartamento alquilado devenido en cárcel. Esconden el dinero, pero no todo es tan fácil de esconder. “Tranquila, es un día como cualquier otro”, dice él. Pero no lo es: durante las siguientes veinticuatro horas, los sentimientos explotan y los problemas se magnifican, revelándose toda la oscuridad acumulada a lo largo de una relación durante la que ninguno de los dos ha sido plenamente sincero con el otro. Todo por el azar más nimio. Hablamos de El incendio (2015).

El incendio obtuvo dos nominaciones a los Premios Sur:
mejor dirección novel y mejor actriz

La primera película de Juan Schnitman en solitario es un desgarrador drama que concentra en apenas un día todas las vicisitudes de una pareja cuya relación ha desembocado en gélido nerviosismo a raíz de una acumulación de rencillas no superadas. Amparándose en el extraordinario trabajo protagónico de Pilar Gamboa (quien perdió el Premio Sur frente a la poderosa Dolores Fonzi de Paulina, de Santiago Mitre) y Juan Barberini, el joven realizador argentino reduce el montaje al mínimo de forma que no sea este, sino el reparto, el motor de la tensión suprema generada. Además, en consonancia con una relación que se tambalea, la cámara de Soledad Rodríguez se mantiene perennemente inestable, estando los planos a menudo torcidos o incluso mal iluminados (área en la que el bajo presupuesto también influye, claro).

'Madame Marguerite': la amarga hilaridad de una mentira piadosa

Los cuatro premios César alcanzados por Madame Marguerite (Marguerite, 2015) son perfecta muestra de sus características virtudes. Glamurosamente ambientada en el París de los años 20, la cinta recogió merecidamente los galardones concernientes a mejor diseño de producción (Martin Kurel) y mejor vestuario (Pierre-Jean Larroque), a los que se sumó como no podía ser de otra manera el entorchado a mejor actriz para la genial Catherine Frot (quien ganó el primero en 1996 con la tierna comedia negra Como en las mejores familias, de Cédric Klapisch, y suma un total de… ¡diez nominaciones!), además de, irónicamente, el de mejor sonido para François Musi y Hafner Gabriel precisamente por captar los espantosamente divertidos sonidos que salían de la boca de Marguerite Dumont, una mujer adinerada empeñada en ser cantante de ópera pese a ser incapaz de entonar correctamente dos notas seguidas.

Madame Marguerite fue candidata a 11 premios César,
incluyendo película, dirección, guion original y montaje

Tras recorrer prestigiosos festivales con el melodrama romántico Chanson d'amourel (2006, Sección Oficial de Cannes), el interesante drama Crónica de una mentira (2009, Sección Oficial de Cannes) y la irregular comedia Superstar (2012, Sección Oficial de Venecia), el director y guionista galo Xavier Giannoli triunfó en Venecia con una de sus mejores creaciones hasta la fecha: una sorprendente comedia dramática de época capaz de ganarse la identificación del espectador desde el principio gracias a una peculiar protagonista excelentemente encarnada por una de las mejores actrices francesas del momento. Y es que cada uno de los respetuosos primeros planos del film es un poema en sí mismo gracias a la extraordinariamente sutil interpretación de Frot, quien logra hacernos partícipes de todo cuanto probablemente pasaba por la mente del personaje real que inspira el film. Esta no es otra que la excéntrica soprano estadounidense Florence Foster Jenkins (1868-1944), a la que curiosamente dará vida nuevamente la gran Meryl Streep en la superproducción británica Florence Foster Jenkins (Stephe Frears, 2016). Vamos, que nos encontramos ante otro de esos curiosos casos de películas similares estrenadas al unísono sin explicación aparente alguna.

¿Ganará Leonardo DiCaprio el Óscar a mejor actor por ‘El renacido’?

Hace unos meses, escribí un artículo explicando por qué Leonardo DiCaprio no tiene ningún Óscar [podéis leerlo aquí]. Mucho ha llovido desde entonces: los premios de la Academia se acercan y lo que ahora verdaderamente quiere saber todo el mundo es: ¿será este por fin el año de DiCaprio? Si sois fans del actor californiano, tengo una buena noticia para vosotros: indudablemente, Leonardo DiCaprio ganará el Óscar por El renacido, la impresionante (aunque pretenciosa) sexta película de Alejandro G. Iñárritu [crítica aquí], aun cuando la mayoría de las exageradas doce nominaciones del film no deberían pasar de ahí [todo sobre las nominaciones aquí].

El renacido es la película que Leonardo DiCaprio
necesitaba para hacerse por fin con el Óscar

En el anterior mencionado, defendí a capa y espada que, si DiCaprio nunca gana el Óscar, no es porque la Academia le tenga manía ni porque sus trabajos no estén a la altura del galardón, sino por la alta competencia a la que se ha enfrentado las cuatro veces que ha estado nominado. En general, le han arrebatado la estatuilla intérpretes que, sin ser superiores a él, sí ofrecían interpretaciones superiores (o al menos más llamativas) en los años en que él estaba nominado: Tommy Lee Jones por El fugitivo (Andrew Davis, 1993), Jamie Foxx por Ray (Taylor Hackford, 2004), Forest Whitaker por El último rey de Escocia (Kevin MacDonald, 2006) y finalmente Matthew McConaughey por Dallas Buyers Club (2013). Este última causó especial indignación: ¿merece antes el Óscar una interpretación excelente aislada que un actor siempre excelente? Aunque parezca mentira, la respuesta es afirmativa: los Oscars no premian intérpretes, sino interpretaciones, con lo que para hacerse con uno de ellos hay que ser un gran intérprete y, a la vez, ofrecer la mejor interpretación del año (o al menos la más llamativa). Y eso no es precisamente fácil. Ni necesariamente difícil: depende del contexto.

¿Es racista la Academia? ¿Ignoran los Oscars a los actores negros?

Por segundo año consecutivo, los veinte intérpretes candidatos a los Oscars interpretativos son caucásicos, o sea, blancos; procedentes, eso sí, de ambos lados del Atlántico. Y, claro, el mundo se ha levantado indignado hasta el punto de llevar a la Academia a replantearse su normativa. Pero, ¿es esto realmente necesario? ¿Son verdaderamente racistas los premios más ansiados de la industria? Mi respuesta es una rotunda negativa. Pero veamos por qué.

En 2002, Halle Berry y Denzel
Washingon ganaron el Óscar

A lo largo de los 88 años de estos galardones catorce estatuillas han ido a parar a actores negros, comenzando por Hattie McDaniel por la mítica Lo que el viento se llevó (George Cukor, Sam Wood y Víctor Fleming, 1939) y concluyendo (hasta ahora) con Lupita Nyong’o por 12 años de esclavitud (Steve McQueen, 2012). Bastan precisamente estas dos estatuillas para negar todo rasgo de racismo en los Oscars: McDaniel, una auténtica desconocida, arrebató la estatuilla a su propia compañera de reparto (la guapísima y blanquísima Olivia de Havilland) en los tiempos en que los derechos de las personas de color todavía eran inhumanos. Por su parte, Nyong’o obtuvo el suyo por el debut que le dio la fama, un trabajo notable pero bastante breve con el que se impuso a tres intérpretes estadounidenses de prestigio de la talla de June Squibb (Nebraska, de Alexander Payne), Julia Roberts (Agosto, de John Wells) y Jennifer Lawrence (La gran estafa americana, de David O. Russell), todas ellas asombrosas en sus papeles. ¿Encaja todo esto en unos premios racistas? Creo que no.

De 'Sufragistas' a feministas

“El término suffragette (sufragista) lo acuñó la prensa británica para mofarse de las activistas del movimiento por el sufragio de las mujeres. Después, el término fue asimilado por el propio movimiento. Las sufragistas interrumpían las comunicaciones cortando los cables del telégrafo, volaban buzones de correos y atacaban propiedades y, cuando iban a parar a la cárcel, se ponían en huelga de hambre para llamar la atención pública sobre su causa por la igualdad contra un Estado cada vez más brutal. Me sorprendió que esta historia tan extraordinaria y poderosa nunca hubiera sido contada en el cine. Éramos un grupo de mujeres cineastas y enseguida nos sentimos atraídas por el tema”. Así describe Sarah Gavron su conexión con el primer largometraje que dirige desde Brick Lane (2007), por el que fue hace ocho años candidata al BAFTA a mejor debut. Acompañada nuevamente de la guionista Abi Morgan y las productoras Alison Owen y Faye Ward, la realizadora británica se ha lanzado a la dirección de una cinta a la que el gran interés social y el fantástico reparto han convertido en una de las más sonadas del año aun cuando las expectativas no hayan sido del todo satisfechas.

La estética de Sufragistas está dominadas por tonos
grises en sintonía con los tiempos que la albergan

Sufragistas (Suffragette, 2015) muestra la lucha de varias mujeres británicas por alcanzar el sufragio femenino en Reino Unido, conseguido finalmente en 1928, pero verdaderamente sirve para honrar a tantas mujeres que han luchado —y siguen luchando— por la igualdad en todos los ámbitos, por “vivir la vida de otra manera”, como expresa emotivamente el personaje de una maravillosa Carey Mulligan que podría haber conseguido su segunda nominación al Óscar tras la alcanzada por la película que la lanzó a la fama, An education (Lone Scherfig, 2009), de no haberse desinflado tanto la cinta. Protagonista también del Lejos del mundanal ruido del danés Thomas Vinterberg, la actriz británica ha aprovechado el 2015 para confirmarse como uno de los jóvenes talentos del momento. En Sufragistas está excelentemente acompañada de una Helena Bonham Carter por fin desencasillada y una Meryl Streep tan apoteósica como siempre que logra hacer perfecto uso de su escasísimo tiempo en pantalla.

'No es mi tipo': ¿es posible el amor entre polos opuestos?

Cuando un profesor de filosofía parisino es trasladado a Arrás por un año, el tiempo se convierte en un vacío difícil de llenar. Acostumbrado a respirar cultura de día y aventura de noche, él se aburre irremediablemente hasta que una bella peluquera comienza a aderezar su vida con la complejidad escondida tras su risueña sonrisa. Sin embargo, como ya augura el título del film, sus diferencias son abismales: él idolatra a Kant y Proust y ella prefiere los libros “con historias que contar”, él disfruta de veladas selectas y ella de fiesta alocada micrófono en mano, él conoce la historia pasada y ella controla la prensa amarilla y, lo que es peor: aun cuando él aparente mayor madurez que ella, es él quien tiene miedo al compromiso y ella quien cuenta con un hijo a su cargo. ¿Puede el amor unir dos mundos diametralmente opuestos? Tendréis que ver No es mi tipo (Pas son genre, 2014) para averiguarlo.

No es mi tipo optó a dos premios César:
mejor actriz y mejor guion adaptado

El francés Loïc Corbery y la belga Émile Dequenne protagonizan esta agradable coproducción franco-belga, conformando una pareja carismática pero algo descompensada dado que, frente al debut de él en el largometraje, ella ya cuenta con dos premios de Cannes, gracias a las intensas Rosetta (Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne, 1999) y Perder la razón (Joachim Lafosse, 2012). Aun así, Corbery aguanta, nunca mejor dicho, el tipo, conformando un protagonista que se gana al espectador con rapidez pese a no siempre hacer lo que consideraríamos correcto. A ello ayuda enormemente un realizador tan versado como el belga Lucas Belvaux (La raison du plus faible, 2006), quien sabe tratar a sus personajes como se merecen. Así lo explica él: “jamás juzgo a un personaje. Me esfuerzo por estar en buena sintonía con la naturaleza de todos, incluso con los que mienten o peor aún. Renoir dice que cada uno tiene sus motivos. Es cierto, con independencia de que sean buenos o malos. Si juzgas a los personajes, estos se acaban: devienen entidades puramente ficticias que pueden instrumentalizarse enteramente y dejan de interesar. Trato de compartir mi punto de vista mediante el modo en que establezco las escenas y su dirección”.

Globos de Oro 2016: ganadores y perdedores entre la incertidumbre

El renacido fue la clara vencedora de la
73ª edición de los Globos de Oro

¡Vaya noche! Pocas veces aterriza la temporada de premios en los Globos de Oro entre tanta incertidumbre. Y es que por una vez ningún galardón parecía tener dueño de antemano, lo que volvía la confección del palmarés tremendamente emocionante, no tanto por la importancia del mismo como tal, sino por su tradicional coincidencia con el constituido por la Academia. Buenas noticias por tanto para una de las películas más esperadas del año: la impresionante El renacido, probablemente la mejor obra del mexicano Alejandro G. Iñárritu, quien se llevó los dos galardones principales como consolación por la derrota pasada de Birdman (2014), que, pese a triunfar en la Academia, sólo vio reconocido su guion por parte de la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood. La cinta también dio a Leonardo DiCaprio su tercer Globo de Oro tras los obtenidos por El aviador (2004) y El Lobo de Wall Street (2013), ambas de Martin Scorsese, situándolo algo más cerca de su necesario primer Óscar. A fin de cuentas, si los críticos han preferido laurearlo a él por tercera vez a galardonar por primera vez al británico Michael Fassbender, los académicos no deberían dudar en seguir sus pasos. [Más al respecto en: '¿Por qué Leonardo DiCaprio no tiene el Óscar?']

¿Por qué Leonardo DiCaprio no ha ganado el Óscar a mejor actor?

Comienza la temporada de premios y, curiosamente, ningún galardón ha dado todavía más que hablar que el Óscar a mejor actor, para el que muchos apuntan ya a Leonardo DiCaprio sin haber visto más que el tráiler de El renacido (Alejandro G. Iñárritu, 2015). Tras su derrota hace dos años frente a Matthew McConaughey, florecieron tanto los chistes de malgusto como las críticas nada constructivas a una Academia que siempre parece olvidarse del intérprete californiano. Se habla de intereses, de política y hasta de favoritismos, pero ¿cuál es el verdadero motivo por el que este gran actor ha alcanzado los 40 años sin un Óscar en su haber? Dejemos a un lado los prejuicios y analicemos la situación.

Leonardo DiCaprio: estrella y gran actor

La primera vez que DiCaprio optó al Óscar fue en 1994 por ¿A quién ama Gilbert Grape?, del sueco Lasse Hallström, en la que encarnó a un adolescente con discapacidad mental con sorprendente pericia, logrando una de sus mejores interpretaciones. Sin embargo, por aquel entonces el actor apenas contaba 18 primaveras y era poco conocido, no ayudando tampoco la escasa presencia del filme en la temporada de premios. Por tanto, DiCaprio puede considerarse agradecido con la Academia por haberse acordado de él de cara a las nominaciones. Al final, el mucho más experimentado Tommy Lee Jones se hizo con el único Óscar de su carrera por El Fugitivo, de Andrew Davis, una cinta que contaba con otras seis nominaciones (incluyendo mejor película). Cierto es que DiCaprio perdió el galardón frente a una interpretación mucho menos impresionante, pero el contexto jugaba en su contra.

Curiosidades sobre el reparto de Star Wars

Indudablemente, 2015 es el año de Star Wars. Ni siquiera el Mad Max: furia en la carretera de George Miller y el Jurassic World de Colin Trevorrow pueden robarle el protagonismo. Mientras esperamos al estreno de El despertar de la Fuerza, de J. J. Abraams, he decidido recolectar curiosidades sobre los actores y actrices de la saga galáctica. ¡Seguro que os sorprenden!

Carrie Fisher y Mark Hamill no
han aprovechado bien la fama

√ Mark Hamill (Luke Skywalker) vio su rostro desfigurado tras un accidente de tráfico, no ayudando precisamente su adicción por las drogas al desarrollo de su carrera interpretativa. Sin embargo, prestó la voz a series animadas tan míticas como Phantom 2010, Spider-Man, Vaca y Pollo, Batman o Las Supernenas. 

√ Carrie Fisher (Leia Organa), hija de Debbie Reynolds y Eddie Fisher (quien las abandonó para casarse con Elizabeth Taylor), tuvo un mal momento tras la trilogía original, pero lo superó y se convirtió en una de las correctoras de guion mejor pagadas de Hollywood. Además, se ha interpretado a sí misma en la película Maps to the stars (David Cronenberg, 2014) y populares series como Sexo en Nueva York y The Big Bang Theory. Por otro lado, escribió el documental The Wishful Drinking (Fenton Bailey y Randy Barbato, 2010) a partir de su autobiografía, Postcards From The Edge; dos décadas antes, ese mismo libro había dado lugar a la película Postales desde el filo (Mike Nichols, 1990), donde Fisher había sido interpretada por la gran Meryl Streep, su amiga en la vida real.

'La teoría del todo': la fuerza del amor de Jane y Stephen Hawking

La teoría del todo extrapola la vida de
Stephen y Jane Hawking a la vida humana

Algunas películas, como la Perdida de David Fincher, parten de un material plagado de giros y sorpresas que nos impactan con cada plano. Otras, como La teoría del todo, lo tienen más difícil para sorprendernos. ¿Cómo asombrar al público con la archiconocida historia de uno de los científicos más famosos de la historia? ¿Cómo convertir un biopic sobre Stephen Hawking en una cinta única en su especie? ¿Cómo ganarse la identificación del espectador a través de la rigurosa ciencia? Reconozco que me enfrenté a La teoría del todo con reservas: tras la entretenida The Imitation Game, esperaba otro film biográfico británico al que la falta de innovación y credibilidad histórica impidiesen brillar con fuerza. Y, si bien no me encontré ante un desenfreno de emociones, sí disfruté de una historia real maravillosamente bien contada que resultó tener mucho más que ofrecer de lo que las apariencias auguraban.

Festival de San Sebastián 2014: estrellas (más que en el cielo)

Los donostiarras fanáticos del cine están de suerte cada septiembre, porque el Festival de San Sebastián marca una de las concentraciones de estrellas cinematográficas más importantes del año. En su 62ª edición, son muchos los directores, intérpretes y demás profesionales que han pasado por la bella ciudad vasca, dando a sus seguidores la oportunidad de verlos de cerca, escucharles… e incluso hablar con ellos. Como parte de esta serie de especiales sobre el festival (cuyo palmarés podéis consultar aquí), hoy voy a hablar un poco sobre las estrellas del mismo.

"Soy un tipo ordinario con un trabajo extraordinario",
dijo Denzel Washington al aceptar el Premio Donostia

El festival empezó a lo grande con la presencia de Denzel Washington, galardonado con el Premio Donostia por una interesante carrera que incluye dos Oscars por Tiempos de gloria (Edward Zwick, 1989) y Día de entrenamiento (2001); Antoine Fuqua, responsable de esta última, es también el director de El protector, película de inauguración del festival. Es esta una obra menor, donde la violencia es el único aliciente, con lo que sorprende su elección para inaugurar un año de tanta calidad. Tanto el actor como el director se mostraron agradables con el público, dispuestos a tomarse fotos con todos los interesados. Del mismo modo actuó Willem Dafoe, correcto protagonista de Pasolini, irregular retrato de Abel Ferrara sobre las últimas horas del polémico cineasta italiano.

Adiós al divertido Robin Williams y la evocadora Lauren Bacall

Robin Williams y Lauren Bacall, dos de los
interpretes más míticos de todos los tiempos

Triste semana para el cine. El pasado lunes 11 de agosto el cómico Robin Williams fue encontrado muerto por asfixia en su dormitorio y hoy nos hemos levantado con el fallecimiento de Lauren Bacall, uno de los últimos rostros del Hollywood clásico. Ambos nos dejan de modos distintos, pero la pena es similar: si con Williams sufrimos un shock ante el suicidio de uno de los cómicos más famosos, con Bacall decimos adiós a uno de los pocos mitos del cine clásico que seguían con vida (Doris Day y Olivia de Havilland son el último resquicio vivo de aquella gran época). Este artículo es mi pequeño homenaje a ambos.

Robin Williams nació en Chicago el 21 de julio de 1951 y vivió una infancia holgada como hijo único de un ejecutivo de la industria del automóvil. En 1967, su familia se trasladó a California, donde el joven se interesó por primera vez por el teatro, lo que le llevó a dejar de lado los estudios de política e ingresar en la prestigiosa academia interpretativa Juilliard School en Nueva York. Tras tres años de estudios, volvió a California, donde protagonizó la serie Mork & Mindy (1978), en la que interpretaba a un extraterrestre, papel que le valió un Globo de Oro a mejor actor cómico de televisión. Por temor a encasillarse, decidió dar el salto al cine, dándose a conocer con Popeye (Robert Altman, 1980), cuyo pobre recibimiento no impidió que el actor llamase la atención de los medios. El mundo según Garp (George Roy Hill, 1982) incrementó la popularidad de un intérprete que tuvo así la suerte de trabajar con dos cineastas míticos nada más comenzar.