24 diciembre 2013

10 películas para celebrar una Navidad de cine

La Navidad ya está aquí. ¿Soy yo o cada año llega antes? Y, como siempre, lo hace con un buen número de estrenos navideños, pero, al final, la mayoría nos ponemos nostálgicos y recurrimos a clásicos para celebrar estos días. Ya que el año pasado dediqué una breve entrada al trato de estas fechas por el cine (“Navidades para todos los gustos”), hoy os propongo 10 películas para que cada uno disfrute del espíritu navideño a su propio estilo. ¡Que las disfrutéis!

Love Actually (Richard Curtis, 2003)
Love Actually es una de las películas británicas
más exitosas de todos los tiempos
 Navidad romántica: Love Actually (Richard Curtis, 2003). Diez historias de amor se intercalan con acierto en esta brillante comedia romántica durante una Navidad londinense. Un reparto excepcional que incluye a Hugh Grant, Colin Firth, Keira Knightley, Emma Thompson (nominada al BAFTA), Liam Neeson, Laura Linney, Alan Rickman, Bill Nighy (ganador del BAFTA), Billy Bob Thornton, Martin Freeman, Andrew Lincoln y Rowan Atkinson encarna a personajes tan diferentes como atractivos cuyas vivencias reflejan todos los matices del amor, desde los más alegres a los más deprimentes. Aunque sobran edulcorante y tópicos y faltan variedades culturales y sexuales, todas y cada una de las historias de este film transmiten ganas de vivir y dejan una sonrisa en la boca gracias a la calidad del guión y las interpretaciones. La excelente banda sonora, que mezcla éxitos pop de todos los tiempos con melodías navideñas (las maravillosas “Christmas is all around me” y “All I want for Christmas is you” incluidas) es un aliciente más para disfrutar de este clásico navideño instantáneo.

16 diciembre 2013

Premios de Cine Europeo 2013: ganadores, perdedores y críticas

Premios de cine europeo 2013
François Ozon, Catherine Deneuve, Pedro Almodóvar
y Toni Servillo con sus galardones
El pasado 6 de diciembre tuvo lugar la 26ª edición de Premios de Cine Europeo en Berlín. Dichos premios (que analicé con motivo de su 25ª edición en Premios de cine europeo) no poseen demasiado prestigio, pero son los únicos que centran su atención en el cine europeo y, como tales, merecen nuestro interés. Un año más, sus normas de centrarse en un reducido grupo de films han dado lugar a elecciones cuestionables, pero, pese a ello, los galardones entregados son muy interesantes. No pensaba dedicar un artículo a estos premios pero, ante la poca atención que han recibido, me veo obligado a escribir este breve artículo... aunque llegue con retraso.

05 diciembre 2013

Alfonso Cuarón: director mexicano sin barreras

Gravity es ya una de las películas del año y su director, Alfonso Cuarón, encabeza las quinielas de cara al Oscar a mejor dirección de 2013. Este cineasta mexicano es uno de los más respetados del panorama cinematográfico actual, gracias a su habilidad para defender por igual películas de clara esencia nacional como Y tu mamá también (2001) y superproducciones internacionales como Harry Potter y el prisionero de Azkaban (2004), siempre aportando su toque personal y dejando maravillados a quienes tienen la suerte de trabajar con él. En este artículo voy a adentrarme en la fascinante obra de este gran realizador.

Gravity
Alfonso Cuarón dirige a George Clooney y
Sandra Bullock en el thriller Gravity
Alfonso Cuarón nació en México D. F. y creció en una casa grande situada cerca de los Estudios Churubusco. El futuro cineasta no tardó en acercarse al séptimo arte, ya que empezó a filmar con tan solo 12 años gracias a recibir una cámara como regalo. Hijo del físico nuclear Alfredo Cuarón, Alfonso estudió filosofía en la UNAM y realización de cine en la CUEC (Centro Universitario de Estudios Cinematográficos), donde conoció a su primera esposa, al director Carlos Marcovich y el director de fotografía Emmanuel Lubezki (quien colaboraría con él en todos sus proyectos con la excepción de Harry Potter y el prisionero de Azkaban) y creó su primer cortometraje: Vengeance is mine, el cual causó controversia por estar rodado en inglés (decisión con la que Cuarón anunciaba sus futuras intenciones) y supuso el abandono del cineasta de la escuela por no recibir autorización para comercializarlo.

13 noviembre 2013

Las maravillas de la dirección artística en el cine

Eduardo Manostijeras
Los decorados de Eduardo Manostijeras reflejan
la personalidad gótico-fantasiosa de Tim Burton
Aunque no siempre resulta tan vistosa como los demás elementos de una película, la dirección artística es clave de todo film porque es una de las principales causas de su imagen. Este arte se encarga de ambientar un film en un lugar y un momento de la historia y de dar a cada obra una estética característica que, a menudo, trasciende la calidad del propio largometraje. Junto al vestuario, el maquillaje y los efectos visuales, la dirección de arte confecciona el estilo visual del séptimo arte y, puesto que ya he dedicado este blog a los otros tres apartados mencionados (“Vestuario: cine a la moda”, “La magia del maquillaje” y “Efectos especiales: todo es posible”), hoy voy a introducirme en el que quizá sea el más importante de los cuatro y también el más infravalorado.

31 octubre 2013

10 películas de terror para vivir el espíritu de Halloween

Llegamos a una fiesta tan cuestionada como querida y, aunque todos sabemos que Halloween tiene poco de europeo, es difícil no dejarse llevar estos días por un espíritu envolventemente aterrador. Para ello, nada mejor que disfrutar de unos cuantos títulos de terror y, ya que el año pasado dediqué mi entrada a la historia de este género en “Terror para un buen Halloween”, hoy voy a profundizar en diez títulos muy distintos entre sí que, sin ser necesariamente las mejores películas de terror (algunas ni siquiera dan miedo, dirán algunos), ofrecen diez formas muy distintas de celebrar este día al gusto de cada uno.

La novia cadáver (Tim Burton, 2005)
La novia cadáver fue premiada por la National Board
of Review como la mejor película animada del 2005
 Halloween nostálgico: La novia cadáver (Tim Burton, 2005). Este film de animación es la forma perfecta de celebrar este día sin pasar miedo. La esencia de Edgar Allan Poe se entrelaza con el musical en esta bella versión de un cuento ruso-judío del Siglo XIX sobre un hombre (primer trabajo de doblaje de Johnny Depp) que se promete por error a una mujer muerta (entrañables gestos y voz de Helena Bonham Carter) al colocar un anillo en su dedo. Con la técnica del stop-motion mejorada desde Pesadilla antes de Navidad (Henry Selick, 1993), Tim Burton recrea con encanto un pueblo tristón de la época victoriana. El original cineasta traslada sus habituales preocupaciones (la incomprensión social, la lucha entre la luz y la oscuridad y la fascinación por la muerte) a esta historia sobre dos mundos irreconciliables: un aburrido y agobiante mundo de los vivos frente a un alegre y despreocupado mundo de los muertos. Danny Elfman, colaborador habitual del cineasta, añade una maravillosa banda sonora plagada de envolventes canciones (“According to plan”, “Tears to shed”…) que son perfectamente insertadas en la trama de esta nostálgica historia sobre la relación entre la vida y la muerte y la necesidad de aceptar la conexión entre ambas.

24 octubre 2013

Baz Luhrmann y sus romances épicos de estética extravagante

Sólo Baz Luhrmann podría coger la novela clave de la decadencia del “sueño americano” y convertirla en un espectacular romance en 3D. Por supuesto, hablo de El Gran Gatsby (2013), una de las películas más sonadas del año, la cual no ha dejado a nadie indiferente. Y es que el director de éxitos como El amor está en el aire (1992) y Moulin Rouge (2001) se ha forjado un estilo cinematográfico tan único que es difícil de ignorar. Con sólo cinco títulos, Luhrmann se ha convertido en uno de los directores más inconfundibles del panorama cinematográfico actual. Aprovechando que nos encontramos en uno de los raros años en que estrena obra, hoy he decidido sumergirme en la trayectoria de este extravagante director.

Luhrmann dirige a Leonardo DiCaprio y Carey Mulligan en su peculiar versión de El Gran Gatsby
Luhrmann dirige a Leonardo DiCaprio y Carey Mulligan
en su peculiar versión de El Gran Gatsby
Luhrmann nació en el estado de Nueva Gales del Sur (Australia) el 17 de septiembre de 1962 y asistió al St. Joseph´s Hasting Regional School, al Port Macquarie y al Sydney Grammar School. Aunque su nombre de nacimiento es Mark Anthony, pronto adoptó el apodo de “Baz” a raíz de su parecido con Basil Brush, un zorrillo alocado protagonista de “El show de Basil Brush”. Los empleos de sus progenitores fueron clave en su vocación, ya que su madre era maestra de baile y su padre un granjero que, además de trabajar en una gasolinera, poseía un cine.

14 octubre 2013

10 verdades en defensa del cine español (dedicadas a Montoro)

El pasado 8 de octubre, el Ministro de Hacienda Cristóbal Montoro hizo una desafortunada declaración sobre el cine español, afirmando que la crisis de éste no se debe a los impuestos o la falta de ayudas, sino a su calidad; palabras sin duda inapropiadas en contra de nuestra cultura que ningún político debería pronunciar sobre su propio país. De poco sirve que días después cambiase de idea al afirmar que “el cine español está entre los mejores”: el daño ya estaba hecho. Y la pena es que muchos en España piensan lo mismo: que el séptimo arte de nuestro país, además de aburrido y malo, trata siempre de lo mismo. ¿Es esto cierto? Hoy os presento 10 verdades sobre el cine español, dedicadas a Montoro y a todos aquéllos que infravaloran nuestro cine.

Drama español: Cría cuervos (1976)
Drama español: Cría cuervos... (1975)
 El oscuro contexto histórico. Antes de nada, conviene recordar que hace menos de cuarenta años España se encontraba sumida en una de las dictaduras más largas del siglo XX. La Dictadura de Franco (1939-1975) supuso que, mientras en países como EE.UU., Francia, Italia o Japón se creaban obras maestras, en nuestro país sólo se fomentaran películas como Raza (José Luis Sáenz de Heredia, 1942), canto fascista a favor del Generalísimo. Aún así, cineastas como Juan Antonio Bardem (Muerte de un ciclista, 1955), Luis Buñuel (Viridiana, 1961), Luis García Berlanga (El verdugo, 1964), Carlos Saura (La caza, 1965) y Víctor Erice (El espíritu de la colmena, 1973) se las apañaron para hacer grandes películas que, además de atreverse a criticar el franquismo como nadie lo había hecho antes, resultan tan envolventes hoy como lo fueron en su día. Pero, claro, éstos eran unos pocos osados: por lo general, la industria cinematográfica española estaba por completo oprimida (como todo lo demás, a fin de cuentas). El franquismo es al cine español lo que la Nouvelle Vague al cine francés o el Neorrealismo al cine italiano; haced las cuentas.

08 octubre 2013

10 películas para acercarse al cine asiático contemporáneo

Se suele decir que el cine europeo presenta un ritmo muy pausado en relación al cine estadounidense, y que, a su vez, el cine asiático presenta un ritmo muy lento con respecto al europeo. Esto, unido a las diferencias culturales, ha relegado al cine asiático a un segundo plano en la mente de la mayoría de los espectadores, cinéfilos incluidos. Con la excepción del anime japonés, las películas de países asiáticos como China, Israel o la India han sido reducidas al ámbito de los festivales, más allá de la comprensión de la audiencia occidental. Sin embargo, los pocos que se atreven con él, suelen quedar maravillados por su diferente modo de hacer cine, la belleza de las imágenes y, lo que es más importante, la universalidad de historias que, a simple vista, parecen pertenecer a una dimensión distinta.  Como amante del cine asiático, he decidido rendir tributo a este cine presentándoos diez excelentes películas de países tan distintos como Taiwán, Japón o Irán, las cuales he seleccionado por su sencillez y valor universal a la hora de retratar la vida contemporáneo al otro lado del globo.

Caminar sobre las aguas (Eytan Fox, 2004). Israel
Dos hombres muy diferentes aprenden a comprenderse
en la intrigante Caminar sobre las aguas
 Caminar sobre las aguas (Eytan Fox, 2004). Israel. Aunque todos los films del israelí Eytan Fox tocan de un modo u otro los conflictos de identidad relacionados con la cultura y la homosexualidad en un país a menudo convertido en una burbuja opresora, esta película es quizá su mejor obra gracias a transmitir todas esas ideas mientras cuenta una historia intrigante sobre la amistad y el deber. Un liquidador profesional (Lior Ashkenazi) se enfrenta a un gran dilema cuando los hijos del ex oficial nazi que debe asesinar se convierten en sus amigos: ella (Caroline Peters), en la mujer que le atre, y él (Knut Berger) en el hombre que le enseña a ver la homosexualidad y el odio racial con otros ojos. Nuevos horizontes se abren ante este rudo pero profundo protagonista en un thriller digno de las obras más hipnóticas de Hollywood. // Recomendaciones similares: Yossi & Jagger (Fox, 2002), La novia siria (Eran Riklis, 2004), La burbuja (Fox, 2006), El pequeño tallarín (Ayelet Menahemi, 2007), Yossi (Fox, 2012).

03 octubre 2013

¿Por qué aparece Legolas (Orlando Bloom) en la película de 'El Hobbit'?

Ya hemos podido disfrutar del tráiler de El Hobbit: La desolación de Smaug, segunda película de la trilogía de El Hobbit, de Peter Jackson, cuyo estreno se prevé para el 13 de diciembre de 2013. Pero no voy a hablar de las expectativas, que desde luego ya no son tan altas como lo eran a la hora de recibir la primera parte, ni de la trama, que promete mucha acción (quizá demasiada).

Tauriel y Legolas, El Hobbit
Tauriel y Legolas aportarán trasfondo y acción
a El Hobbit: La desolación de Smaug
Hoy voy a embarcarme en uno de mis habituales largos artículos para solventar una duda, cada vez más próxima a crisis existencial, que ronda la red. ¿Por qué aparece Legolas en las películas de El Hobbit si el libro ni siquiera lo menciona? ¿Tan necesitado de trabajo estaba Orlando Bloom? ¿Tantas ganas de dinero tenía Peter Jackson? La comunidad de internautas no para de especular al respecto, muchos de ellos verdaderamente indignados.

22 septiembre 2013

Películas favoritas de blogueros (Aniversario del Blog I)

Hoy “La estación del fotograma perdido” cumple un año. Todo un año de artículos cinematográficos que me han acercado aún más al séptimo arte y me han permitido conocer a personas fascinantes que, como yo, consideran al cine como una parte vital de la existencia. Precisamente, algunas de estas personas son las que me han ayudado a confeccionar este artículo especial, en el que 10 blogueros amigos de este blog han escrito unas líneas sobre sus películas favoritas. Si bien todas estas obras tienen un valor innegable, ninguna de ellas está aquí por ser la mejor o la más perfecta; sencillamente, cada bloguero ha seleccionado la película que, con sus virtudes y defectos, se ha convertido en la más especial para ellos. Sin más dilación, doy paso a los 10 comentarios, todos ellos llenos de cariño hacia 10 excelentes películas:

Con la muerte en los talones (Alfred Hitchcock, 1959)
Con la muerte en los talones granjeó a Hitchcock el
premio del festival de San Sebastián a mejor director
 María Del Mar Gallardo, de “Cinema Lights”. “¿Cuál es tu película favorita?” No hay ni ha existido nunca una respuesta fácil a esta pregunta, por muy tópico que pueda parecer. ¿Cuál es mi película favorita? ¿Aquélla que me marcó más de pequeña, suponiendo que sea una sola? ¿Aquella gran obra maestra que hemos visto tantas y tantas veces y que será recordada en los anales de la historia del cine? La lista podría ser larga: Cantando bajo la lluvia, Con faldas y a lo loco, Ser o no ser, La guerra de las galaxias… Esta lista de favoritas, sin embargo, no tiene sentido sin la presencia de Alfred Hitchcock y su Con la muerte en los talones (1959). El “maestro del suspense”, como ya muchos lo conocen, es mucho más que el rey del thriller y las sorpresas. En esta cinta, protagonizada por un inigualable Cary Grant, Eva Marie Saint y James Mason, Hitchcock consigue juntar misterio, aventura, comedia y romance, todo bajo un perfecto juego de guión, realización y banda sonora que resulta en una auténtica perla del séptimo arte. El compositor Bernard Hermann crea aquí uno de sus mejores temas principales, mientras que Cary Grant, el eterno galán, hace la que seguro es su más brillante colaboración con el director británico. Solo hay que recordar escenas como la de la conducción y posterior juicio o la de la subasta para confirmar la genialidad de actor y director delante y tras la cámara. ¿La guinda del pastel? Fácil: que Grant tararee “Cantando bajo la lluvia” mientras pretende ducharse en la escena del hotel con Marie Saint. No hace falta decir nada más”.

15 septiembre 2013

La magia Ghibli de Hayao Miyazaki, maestro de animación japonesa

El pasado 1 de septiembre, el maestro del cine de animación Hayao Miyazaki anunciaba su retirada después de cincuenta años dedicados al mundo del cine. La noticia conmocionó a sus millones de fans de todo el mundo. Y es que, si bien no es la primera vez que Miyazaki da una noticia así, sus 72 años nos instan a creer que se trata de la definitiva.

Dibujo de Hayao Miyazaki
Dibujo de Hayao Miyazaki rodeado de los
protagonistas de todas sus películas
Con el paso de los años, el japonés Hayao Miyazaki se ha convertido en el director más querido de su país y en uno de los más queridos del mundo. Y no sin razón: su visión ha revelado una forma inexplorada de hacer cine, concretamente cine de animación, y su originalidad ha conseguido llegar a millones de personas que, sin ser necesariamente amantes del séptimo arte, se han dejado llevar por su magia. A todos ellos dedico este artículo, elaborado con todo mi cariño como un tributo a la fascinante carrera de este impresionante cineasta.

Miyazaki nació en Akebono-cho, un pueblo de Bunkyō, Tokyo, el 5 de enero de 1941 en plena II Guerra Mundial. Durante el conflicto, su familia fue evacuada a Utsunomiya y, más tarde, a Kanuma City, donde su padre recolocó su negocio (la fábrica de aviones Miyazaki). La infancia de Miyazaki estuvo marcada por el constante cambio de escuela y la enfermedad de su madre, cuya tuberculosis espinal la obligó a pasar años en cama. Pero él supo refugiarse en su mundo y desarrollar una gran pasión por el manga, influido por el dibujante Osamu Tezuka.

11 septiembre 2013

La importancia de la calidad de imagen

Aún recuerdo el día en que mi viejo televisor “caja-de-zapatos” se estropeó definitivamente y decidimos adquirir uno nuevo, con una gran pantalla de plasma y una calidad de imagen fascinante. De pronto, todo parecía increíblemente real, los colores eran más vivos y la experiencia más intensa. Realmente sentía que me estaba adentrando en la pantalla en lugar de limitarme a observarla desde la distancia.

08 septiembre 2013

10 curiosidades sobre la saga 'Star Wars' y su universo

Póster de La guerra de las galaxias de Charles White III y Drew Struzan
Por error, este genial póster
 adquirió personalidad propia
Desde la adquisición de Lucasfilm por Disney y el anuncio de una nueva trilogía, Star Wars es noticia casi diaria en los ámbitos cinéfilos. Aún no sé qué esperar de las nuevas películas made-in-Disney, pero, como fan de la saga, he decidido dedicarle un artículo para hablar de 10 curiosidades que probablemente no sepáis. Es decir, no son curiosidades tipo El retorno del Jedi iba a llamarse La venganza del Jedi, las cuales podéis consultar en mi extenso artículo “Universo Star Wars en expansión”, sino curiosidades que incluso los fans más acérrimos desconocen. ¡Espero que os sorprenda por lo menos alguna!

 Póster dentro de póster. Uno de los posters más míticos de La guerra de las galaxias (George Lucas, 1977) consiste en realidad en un póster dentro de un poster, ya que sus creadores (Charles White III y Drew Struzan) se dieron cuenta demasiado tarde de que no habían dejado suficiente espacio para los créditos y decidieron ampliar el póster  permitiendo a Ben Kenobi (Alec Guinness) colarse en él. Al final, la idea gustó y dio lugar a otros posters con el mismo formato, desde En busca del arca perdida (Steven Spielberg, 1981) hasta La venganza de los Sith (Lucas, 2005).

29 agosto 2013

'Jurassic Park' y otras películas de dinosaurios

Parque Jurásico (Jurassic Park)
Los dinosaurios de Jurassic Park fueron los primeros
en causar auténtico terror en los espectadores
El re-estreno de la película Parque Jurásico (Jurassic Park) con tecnología 3D ha causado gran emoción entre sus múltiples fans, tanto entre quienes ya la disfrutaron en su estreno como por aquéllos que nunca han podido verla en la gran pantalla. Y no es para menos. Jurassic Park es una de esas películas especiales que marcan un antes y un después en la historia del cine. Concretamente, un antes y un después en las películas de dinosaurios. Por tanto, además de hablar de este clásico de los blockbusters, hoy voy a dedicar el blog a las apariciones más memorables de estas fascinantes criaturas en el séptimo arte.

15 agosto 2013

10 grandes directores sin Óscar

Mientras John Ford, Frank Capra y William Wyler coleccionan premios Óscar, varios directores de igual o superior importancia jamás ganaron uno. Federico Fellini, Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu o Ingmar Bergman son algunos ejemplos, pero, considerando que estos premios van dirigidos principalmente al cine estadounidense, dichos cineastas no pueden considerarse auténticos perdedores en un juego sin igualdad de condiciones. No; los diez directores a los que dedico hoy el blog son cineastas sin los cuales el cine estadounidense no habría sido el mismo, pero que, por un motivo u otro, carecen de un Óscar en su haber. Os dejo con mi top 10 (he señalado en negrita los títulos que, en mi opinión, podrían haber granjeado el Óscar a sus directores):

Nicholas Ray (1911-1979) y James Dean
Nicholas Ray convirtió a James Dean en
icono de la juventud en Rebelde sin causa
10. Nicholas Ray (1911-1979). Maestro del encuadre y el color, Ray logró hacer “cine de outsider” dentro del propio Hollywood, algo que sin duda influyó en el hecho de que nunca fuera nominado al Óscar de dirección siquiera. Rebelde sin causa (1955) le granjeó una merecida nominación a mejor guión, pero ese año la Academia estuvo especialmente ciega y esta obra maestra pasó desapercibida, al igual que lo habían sido con anterioridad En un lugar solitario (1950) y Johnny Guitar (1953), un thriller y un western, respectivamente, dos géneros bastante infravalorados por estos premios. Ni siquiera realizar una de las mejores versiones de la historia de Jesucristo en Rey de reyes (1961) le valió mención alguna en unos galardones poco dados a premiar el riesgo.

04 agosto 2013

Breve historia del cine americano estadounidense (EE.UU.)

Tras más de un mes viajando por EE.UU., no veo mejor forma de regresar al blog que hacerlo con un artículo sobre el cine estadounidense. Mientras que para muchos el cine estadounidense constituye todo lo que entienden por “cine”, para otros esconde lo peor de la industria: tópicos e imagen de superioridad. Pero lo cierto es que, nos guste o no, los estadounidenses han alcanzado la perfección en casi todos los géneros y estilos cinematográficos, algo que no debe ser menospreciado. 

Centauros del desierto, de John Ford, 1956
Los paisajes de westerns como Centauros del desierto
se han convertido en un icono del cine estadounidense
No obstante, no fue en EE.UU. donde nació el cine, sino en Francia, donde los hermanos Lumière realizaron la primera proyección cinematográfica de la historia en 1895, con títulos como Llegada de un tren a la estación de la Ciotat, que se limitaba a mostrar una realidad cotidiana, o El regador regado, la primera comedia. Fue también allí donde George Méliès se convirtió en el padre del cine fantástico con la sorprendente Viaje a la luna (1902).

18 junio 2013

Liebster Awards y despedida por verano

Liebster Award

El verano ya está aquí y este blog se toma sus merecidas vacaciones. A finales de julio, La estación del fotograma perdido estará de vuelta, pero, antes de irme, quiero dar las gracias a siete blogs que, a lo largo de los últimos meses, me han hecho entrega del Liebster Award, un galardón entregado entre blogueros:

07 junio 2013

Las 10 estrellas del cine musical

Aunque puede parecer un género banal, muchos consideran al musical como el género cinematográfico hollywoodiense por excelencia. Hoy en día, apenas se ruedan musicales, pero a partir del surgimiento del sonido, el musical fue uno de los géneros más queridos por el público. No voy a hablar de la historia de este género porque ya dediqué un artículo al respecto (“La alegría del género musical”). Lo que hoy me interesa son los protagonistas de estas películas. Este artículo va dedicado a diez actores y actrices que sumaron a sus dotes interpretativas un talento innato para la danza y el canto. Diez intérpretes –diez artistas– que han convertido al musical en el símbolo de la grandeza del sistema de estudios y el cine clásico.

Ginger Rogers y Fred Astaire en La alegre divorciada
Ginger Rogers y Fred Astaire revolucionaron
el cine musical con sus bailes llenos de química
10. Ginger Rogers (1911-1995). Aunque esta fantástica actriz y bailarina actuó en 73 películas, son los nueve musicales de la RKO que protagonizó junto al gran Fred Astaire los que la convirtieron en rostro clave del cine clásico. Ginger Rogers se adentró en el mundo del espectáculo gracias a ganar un concurso de baile de charlestón, lo que la llevó a realizar una gira con un teatro de variedades con tan solo 14 años. Tras protagonizar varios cortometrajes fue elegida para actuar en el musical de Broadway Girl Crazy. Gracias a ello, conoció a Fred Astaire y fichó para la Paramount. No obstante, pronto se desvinculó de dicho estudio y, tras saltar a la fama con Calle 42 (Lloyd Bacon, 1933), se convirtió en la pareja artística de Astaire en La alegre divorciada (Mark Sandrich, 1934). Aunque Rogers ganaría un Oscar por el drama romántico Espejismo de amor (Sam Wood, 1940), demostrando que también podía destacar por sí sola, siempre la recordaremos como la irresistible pareja de baile de Fred Astaire. “Él le da clase, ella le da sexo”, dijo de ellos una vez Katherine Hepburn. Hollywood nunca la olvidó y, tres años antes de su muerte por angina de pecho, le concedió un Oscar honorífico.

28 mayo 2013

La importancia del festival de Cannes (historia y curiosidades)

Tras varios días de emocionantes jornadas del festival de Cannes, son muchos los que se preguntan a qué viene tal admiración hacia una entrega de premios cinematográficos más. La maravillosa cinta francesa La vie d´Adele (Abdel Kechiche, 2012), sobre una tierna aunque abiertamente sexual relación entre dos chicas adolescentes, acaba de unirse a la lista de ochenta películas que pueden presumir de tener en su haber una Palma de Oro de Cannes, quizá el premio más prestigioso de la industria del cine, con perdón del Oscar.

Abdel Kechici sostiene la Palma de Oro por  La vie d´Adele rodeado de sus jóvenes actrices
Abdel Kechici sostiene la Palma de Oro por
La vie d´Adele rodeado de sus jóvenes actrices
Pero, ¿cómo se ha ganado Cannes su prestigio? ¿Qué lleva a millones de cinéfilos a esperar con ansia el palmarés de este festival para abalanzarse sobre las películas premiadas? Cannes se ha ganado la confianza de la comunidad cinéfila poco a poco, gracias a una historia muy interesante que hoy me dispongo a analizar.

23 mayo 2013

Los peores remakes de películas de la historia del cine

Se escuchan más que rumores acerca de próximos remakes de los clásicos My fair lady (George Cukor, 1964), Carrie (Brian de Palma, 1976) y Los pájaros (Alfred Hitchcock, 1963) y los cinéfilos nos tememos lo peor. Un remake es una película basada en otra película, pero, para los productores de Hollywood, un remake es sencillamente dinero fácil. Y es que cada vez son más las películas clásicas (y no tan clásicas) que tienen su remake moderno. Y lo peor es que a menudo las copias son más populares que las originales, especialmente entre los jóvenes.

Y es que, si el público de una época fue a ver una película, ¿por qué no iba a hacer lo mismo el público actual? Un par de cambios en el guión y unos cuantos rostros famosos dan lugar a películas completamente “nuevas”. Pero eso es hacer trampa. No vale copiar una historia y no aportar nada nuevo al margen del reparto. Al menos a los cinéfilos no nos vale y, por suerte, el público rechaza cada vez más estos intentos baratos de lograr el éxito. Pero no siempre. Hoy repaso los veinticinco remakes más absurdos, cutres, simplones, rematadamente malos… y, lo que es peor, absolutamente innecesarios. 

Remake King Kong poster, cartel, carátula, portada
Efectos peores cuarenta años después

14 mayo 2013

Adolescencia infinita: nostalgia por películas de adolescentes

Una de las películas más queridas por el público del año pasado fue la deliciosa Las ventajas de ser un marginado (2012), adaptación de Stephen Chbosky de su propia novela. Se trata de una obra sencilla que llega al corazón de los espectadores por su cuidadoso tratamiento de una etapa que todos recordamos con nostalgia: la adolescencia, o, mejor, dicho, el final de ésta.

Las ventajas de ser un marginado cuenta con un
maravilloso reparto de estrellas juveniles
Los años de adolescencia a menudo no son ni los más felices ni los más importantes, pero sí constituyen una época única en la vida en la que todo es posible y el futuro es incierto. Las ventajas de ser un marginado cuenta la historia de tres jóvenes que se enfrentan a las dudas vitales de encontrarse en el limbo entre la infancia y la edad adulta, entre la despreocupación y la responsabilidad.

05 mayo 2013

Peores traducciones de títulos de películas en español

Tres años después de su estreno en EE.UU., la interesante película Rabbit Hole (John Cameron Mitchell, 2010) ha llegado por fin a España en formato DVD sin pasar por las salas. Pero lo ha hecho con el título de Los secretos del corazón, que, no sólo no tiene nada que ver con el original, sino que es prácticamente el mismo que el de la bella película española Secretos del corazón (Montxo Armendáriz, 1997). Mi indignación ante semejante traducción me ha llevado a dedicar un artículo a las peores traducciones de títulos de películas al castellano en España (otro día hablaré de las de Latinoamérica, que tampoco tienen desperdicio). Así que hoy os regalo un artículo más distendido de lo habitual, ideal para afrontar con humor la llegada de la temporada de exámenes. Aquí tenéis las veinticinco peores traducciones que he encontrado.

25. Superbad Supersalidos (Greg Mottola, 2007). Desde luego, ésta no es la película más sutil de la historia, pero sí lo es mucho más de lo que sugiere su título en castellano. Un divertido guión y buenas interpretaciones abalan una comedia adolescente que incluso fue nominada a los Critic´s Choice Awards en las categorías de mejor comedia y actor joven (irresistible Michael Cera) con pleno merecimiento.

24. Working girl → Armas de mujer (Mike Nichols, 1988). O cómo convertir un título feminista en uno machista.

Dos colgaos muy fumaos, poster, carátula, portada, cartel
¿Para qué andarse por las ramas?

27 abril 2013

La Political Film Society y el cine de concienciación

Hoy en día, el valor social de una película es casi tan importante como su capacidad para entretener. Aunque las películas más exitosas, principalmente comedias y cintas fantásticas, no son el mejor ejemplo de ello, lo cierto es que las obras más impactantes y premiadas suelen serlo por factores al margen de la calidad artística. Incluso la trilogía de El Señor de los Anillos (Peter Jackson, 2001-2003) es un canto antibelicista además de todo un espectáculo.

La Political Film Society y el cine de concienciación - La lista de Schindler
La lista de Schindler se hizo con 7 Oscars y es una
de las representaciones del nazismo más aclamadas
Hace poco descubrí los premios de la Political Film Society, destinados a premiar a las películas con mejores valores. Aunque todavía son unos galardones poco conocidos, la concienciación de la gente es, afortunadamente, cada vez mayor, con lo que auguro mayor fama a estos premios en el futuro. En cualquier caso, creo que son unos galardones encomiables, así que hoy he decidido dedicarles mi blog para darlos a conocer.


16 abril 2013

Grandes canciones de películas

La música y el cine son compañeras inseparables. A veces, recordamos más la melodía de una película que la propia película en sí. Pero no hay que confundir a la banda sonora con las canciones. La primera es compuesta de forma uniforme por un compositor y acompaña al film de principio a fin de forma envolvente pero humilde, mientras que cada canción es creada de forma distinta e introducida en un punto concreto de la trama (o, incluso, en los créditos) para convertirse en protagonista indiscutible del momento. Hoy voy a hablar de las canciones de cine, y, para que podáis disfrutarlas una y otra vez, enlazaré cada título de canción a la canción correspondiente.

Dreamgirls, canciones de películas
Dreamgirls es la perfecta plataforma para el lucimiento
de Jennifer Hudson y Beyoncé Knowles
Hoy en día, las canciones de cine forman parte del imaginario musical colectivo, trascendiendo en múltiples ocasiones a la propia película. ¿Alguien recuerda a la película Por fin ya es viernes (Robert Klane, 1978)? Probablemente no, pero ¿a que os suena la canción “Last dance”? Y ¿qué os suena más, New York New York o la película del mismo título de 1977 de Martin Scorsese? No obstante, no hace falta que la película se pierda en el olvido para que la canción tome vida propia. Tanto el film Armas de mujer (Mike Nichols, 1988) como la canción “Let the river run” son bastante memorables, y, sin embargo, pocos recuerdan que la segunda forma parte de la primera (de hecho, para muchos ahora es la canción de Mapfre).

07 abril 2013

Películas fantásticas infravaloradas

No hay género cinematográfico más infravalorado que el fantástico. Si bien plasmar la realidad en pantalla no es fácil, imaginar una historia fantástica tampoco lo es. Las películas fantásticas nos trasladan a mundos mágicos y nos invitan a soñar. Sin embargo, es un trabajo que no se valora lo suficiente ni por la crítica ni por los propios espectadores, quienes disfrutan de estas películas pero, por algún motivo, no las consideran a la altura de un buen drama. Por eso hoy he decidido dedicar un artículo a las diez películas fantásticas más infravaloradas, partiendo de la base de que la práctica totalidad de películas de este género lo está. Doy paso al top 10:

Aslan y Edmund. Las crónicas de Narnia: el león, la bruja y el armario.
Las crónicas de Narnia transmite un positivo
mensaje de defensa de la naturaleza 
10. Las crónicas de Narnia. El león, la bruja y el armario (Andrew Adamson, 2005). Rotten Tomatoes: 76% / Filmaffinity: 5,8. ¿Qué le ha hecho Disney a Narnia?, se preguntaron algunos. Pues sencillamente crearla con dulzura, cariño y mucha magia. La primera película de Las crónicas de Narnia recibió críticas irregulares y aparentemente sólo gustó a los niños. Sin duda es mucho más infantil que El Señor de los Anillos, con la que se empeñaron en compararla debido a la amistad entre los autores de las obras originales, pero ofrece una gran dosis de entretenimiento y calidad técnica y hay pocos films que nos sumerjan en un mundo tan maravilloso. Ideal para disfrutar en familia (por algo fue premiada con el Critics Choice Award a mejor película familia del año, único premio que recibió además del Oscar y el Bafta a mejor maquillaje). Lástima que cada secuela sea peor que la anterior.

28 marzo 2013

La Biblia en la historia del cine

Los organizadores de las parrillas televisivas lo tienen muy fácil en Semana Santa: historias religiosas que satisfagan la curiosidad de los ateos y las ansias de los creyentes por celebrar su religiosidad. Mañana y tarde. Este año, la idea ganadora la ha tenido Antena 3, cuyo estreno de la miniserie La Biblia (Crispin Reece, Tony Mitchell y Christopher Spencer, 2013) el pasado lunes fue líder de audiencia. Ésta cuenta con cinco episodios sobre acontecimientos varios del libro sagrado, de los cuales Antena 3 emitió ayer el segundo, de nuevo con gran éxito debido quizá a las personas que hayan oído hablar de ella y quieran averiguar si es en efecto tan mala.

La Biblia, miniserie, Adan y Eva, Antena 3
Adán y Eva apenas disponen de unos segundos en 
La Biblia (incluso esta sensual escena es cortada)
Y no quedarán decepcionados. Admito que sé poco de La Biblia, pero si algo sé es que no había chinos luchando con espadas ni hechiceros propagando el poder de Dios. Todo carece de credibilidad, desde el vestuario de tienda de disfraces hasta los escenarios de cartón piedra, pasando por unos efectos visuales indignos de este siglo y una representación de personajes míticos como Abraham o Moisés más propia de un film de aventuras de Ridley Scott que de las sagradas escrituras. Y encima se quiere contar tanto que al final no se cuenta nada. Y es que hay demasiado que contar.

23 marzo 2013

¿Qué es una estrella de cine?


Naomi Watts, protagonista de King Kong y Lo imposible
Naomi Watts se ha forjado una imagen atractiva pero
seria gracias a unir esfuerzo a su natural belleza
Una estrella es un cuerpo celeste que brilla con luz propia. ¿Y una estrella de cine? Pues lo cierto es que lo mismo. Las estrellas son actores que brillan sin importar la película en que se encuentren, y que arrastran a los espectadores a las salas más que las propias tramas de los films o la calidad de éstos. Ayer tuve la oportunidad de asistir a un debate con uno de los productores de la película Lo imposible (Juan Antonio Bayona, 2012) y una de las primeras preguntas que recibió del público fue: “¿por qué elegisteis estrellas internacionales para interpretar a una familia española?”. Y él fue claro: hoy en día, la única forma de realizar una película de alto presupuesto es contar con un reparto que atraiga a los inversores y garantice el éxito del film, y, a la hora de hacer una película sobre el Tsunami en Tailandia, el alto presupuesto es imprescindible. Yo era el primero en criticar al film por esta decisión, pero creo que ante esta explicación no hay argumento posible.

15 marzo 2013

Todos contentos con el Oscar

Cada entrega de premios da lugar a más detractores que alabanzas. Y es que es imposible contentar a todo el mundo. Pero no hay premio más codiciado que el Oscar a Mejor Película, tanto por su prestigio como por su influencia en taquilla. Desde sus inicios en 1927, los Oscar han premiado como “mejor película” a 86 títulos y a menudo nos hemos cuestionado si se trataba de la mejor opción. La última ganadora, Argo (Ben Affleck, 2012), era la favorita de la mayoría, pero aún así ha dado lugar a múltiples titulares negativos. Sin embargo, en contadas ocasiones ha conseguido la Academia contentar a (casi) todos. Ya dediqué un artículo a las peores decisiones de esta entidad (“Oscar a peor película”) y hoy os presento los casos en que pocos pueden negar que el premio dio en el clavo. (Los datos de Rotten Tomatoes corresponden al porcentaje de valoraciones positivas recibidas por estos films de parte de los principales críticos de cine.)

Sucedió una noche, de Frank Capra, con Claudette Colbert y Clark Gable
Sucedió una noche dio prestigio inaugural a la
screwball comedy (comedia disparatada)
3ª Edición. Sin novedad en el frente (Lewis Milestone, 1930). Rotten Tomatoes: 97%. Hubo que esperar tres ceremonias para que la Academia tomara una buena decisión. Este maravilloso film bélico presentaba un fuerte carácter antibelicista a la par que un guión muy bien hilado, una buena dirección y acertadas interpretaciones y era sin duda la mejor película del año.

7ª Edición. Sucedió una noche (Frank Capra, 1935). RT: 98%. Esta simpática película demostró que la comedia romántica puede dar lugar a films excelentes. Sin embargo, durante el rodaje nadie creía en ella, ni siquiera sus protagonistas, Claudette Colbert y Clark Gable, quienes obtendrían así los únicos Oscars de sus carreras. Fue el primer film con más de tres estatuillas: cinco. Y además se trataba de las cinco principales: película, director, guión adaptado, actriz y actor.

12ª Edición. Lo que el viento se llevó (Víctor Fleming, George Cukor y Sam Wood, 1939). RT: 96%. Además de mítica, esta película es sencillamente maravillosa. Todo el que se atreve con sus cuatro horas queda encantado con esta historia de superación y coraje fantásticamente protagonizada por Clark Gable (sí, otra vez) y Vivien Leigh. Claro ejemplo de cómo una superproducción puede lucir radiante gracias a los decorados y el vestuario y aún así ganarse el apoyo de los críticos con su guión y realización.

Rebeca, de Alfred Hitchcock
Rebeca es el único film de Hitchcock con Oscar
13ª Edición. Rebeca (Alfred Hitchcock, 1940). RT: 100%. Hitchcock nunca ha ganado el Oscar, pero su primer film estadounidense sí lo hizo. Y además por encima de Historias de Filadelfia, Las uvas de la ira y El gran dictador y, aunque cualquiera de ellas habría ganado con pleno derecho, hoy más que nunca nos alegramos de ver uno de los films del genio británico premiado en representación de todos los demás. Una joya del cine de suspense.

16ª Edición. Casablanca (Michael Curtiz, 1943). RT: 97%. Para qué negarlo, esta película ha alcanzado tal grado de clásico que es difícil juzgarla en términos objetivos. Lo que está claro es que Humphrey Bogart e Ingrid Bergman son una pareja inolvidable y que su historia nos atrapa y emociona décadas después con la misma intensidad que lo hizo en su día.

18ª Edición. Días sin huella (Billy Wilder, 1945). RT: 100%. El genial Billy Wilder destacó en casi todos los géneros, pero una de sus películas más sorprendentes es esta impactante historia de alcoholismo, tema tabú en Hollywood. Fantásticamente escrita e interpretada, se trata de una de las apuestas más arriesgadas de la Academia.

Eva al desnudo
Eva al desnudo batió el récord de nominaciones con 14
23ª Edición. Eva al desnudo (Joseph L. Mankievicz, 1950). RT: 100%. Dos fascinantes películas críticas con el mundo del espectáculo lucharon por el Oscar este año y, sin menospreciar a El crepúsculo de los dioses, la mayoría se alegra por la victoria de este magnífico drama que devolvió la fama a Bette Davies y alcanzó 14 nominaciones como reconocimiento a un cuidadísimo trabajo narrativo, técnico, artístico e interpretativo. Para muchos, de las mejores películas de la historia.

27ª Edición. La ley del silencio (Elia Kazan, 1954). RT: 100%. Si bien pocos aplaudieron la victoria de Elia Kazan, quien acababa de condenar a varios compañeros de profesión comunistas, nadie discute que este potente drama judicial es una película excepcional. Todos los elementos del film brillan con luz propia, aunque es la portentosa interpretación de Marlon Brando el nexo de unión de todos ellos.

Marlon Brando en La ley del silencio
Con La ley del silencio Eliza Kazan intentó justificar
su criticada acción durante "La caza de Brujas"
28ª Edición. Marty (Delbert Mann, 1955). RT: 100%. En tiempos en que el auge de la televisión estaba poniendo en peligro el futuro del cine, el realizador televisivo Delbert Mann realizó su primera película adaptando un telefilm y se alzó con la primera Palma de Oro de Cannes concedida a un film estadounidense y los Oscars más importantes: película, director, actor (Ernest Borgnine haciendo por fin de bueno) y guión. Era una historia de gente corriente de bajo presupuesto con la que Hollywood demostraba una importante apertura de mente.

30ª Edición. El puente sobre el río Kwai (David Lean, 1957). RT: 96%. Música inolvidable, buen reparto, brillante montaje y una historia emocionante son algunos de los logros de esta original producción inglesa sobre prisioneros británicos obligados por sus captores japoneses a construir un puente y violar así sus propios principios.

33ª Edición. El apartamento (Billy Wilder, 1960). RT: 93%. Ya que Con faldas y a lo loco acababa de ser menospreciada frente a Ben-Hur, es fantástico ver una comedia del gran Billy Wilder premiada al año siguiente. Jack Lemmon y Shirley McLaine están estupendos y el guión es prácticamente perfecto. Ninguna película en blanco y negro volvería a ser premiada hasta La lista de Schindler treinta y tres años después.

El puente sobre el río Kwai
El puente sobre el río Kwai marcó el inicio de una serie
de films épicos y exóticos del británico David Lean
34ª Edición. West Side Story (Robert Wise y Jerome Robbins, 1961). RT: 93%. Este inolvidable musical es uno de los más populares del género, pero, al contrario que otros como Sonrisas y lágrimas, tiene también el beneplácito general de la crítica. Fantásticamente coreografiada y montada, es irónicamente la adaptación de Shakespeare más aplaudida.

35ª Edición. Lawrence de Arabia (David Lean, 1962). RT: 98%. Este impresionante drama histórico lanzó a la fama a Peter O´Toole y Omar Sharif. Los espectaculares paisajes desérticos y la envolvente banda sonora actúan de forma casi hipnótica para sumergirnos en la mente del atormentado protagonista y demuestran que Inglaterra pisa a EE.UU. los talones.

37ª Edición. My fair lady (George Cukor, 1964). RT: 95%. Aunque Audrey Hepburn se quedó sin nominación por culpa de ser doblada a traición, este fantástico musical obtuvo 8 Oscars que premiaban sus excelentes cualidades visuales y sonoras. La delicada imagen de la florista que se hizo dama gracias a un snob es imborrable.

Patton
George C. Scott rechazó el Oscar por Patton
como crítica a la competitividad de los premios
43ª Edición. Patton (Franklin J. Schaffner, 1970). RT: 98%. Aunque George C. Scott, protagonista de esta cinta biográfica, pidió que su nombre fuera borrado de la lista de nominados, la Academia hizo caso omiso de ello y le premió como mejor actor por su brillante interpretación del general Patton. Una envolvente fotografía y un acertado guión logran que incluso los enemigos del género disfruten de esta excepcional cinta bélica.

45ª Edición. El Padrino (Francis Ford Coppola, 1972). RT: 100%. Aunque Cabaret se llevó aquella noche 8 Oscars, los mafiosos le robaron la categoría principal para beneplácito de sus innumerables seguidores. Desmitificar el mundo de la mafia y mostrarlo como una sencilla historia familiar fue el logro de este brillante drama favorito de muchos cinéfilos. Marlon Brando dio la nota enviando en su lugar a una actriz para hacerse pasar por india y rechazar el premio a la par que reivindicar los derechos de su tribu.

48ª Edición. Alguien voló sobre el nido del cuco (Milos Forman, 1975). RT: 96%. Este impactante drama sobre la locura se alzó con los 5 premios principales por segunda vez en la historia y supone quizá el mejor papel de la carrera de Jack Nicholson. Toda una crítica a la disciplina y un canto a la libertad la convierten en uno de los mejores films premiados por la Academia.

Gente corriente
Timothy Hutton y Mary Tyler Moore se alzaron
ambos con el Oscar por la emotiva Gente corriente
53ª Edición. Gente corriente (Robert Redford, 1980). La Academia nunca había reconocido a Redford como actor pero curiosamente le dio el Oscar a mejor director por su primer trabajo como tal. Y no sin razón, pues se trataba de uno de los mejores dramas familiares de la historia: desgarrador y creíble como la vida misma.

64ª Edición. El silencio de los corderos (Jonathan Demme, 1991). Este impresionante thriller psicológico supone lo más cerca que ha estado la Academia de premiar un film de terror y se alzó por tercera y última vez con los 5 premios principales tras Sucedió una noche y Alguien voló sobre el nido del cuco. La extravagante locura de Anthony Hopkins se contrapone a la sutil fortaleza de Jodie Foster, ambos fantásticamente dirigidos por Demme.

65ª Edición. Sin perdón (Clint Eastwood, 1992). RT: 97%. Décadas después de la época dorada del western, Clint Eastwood logró revitalizar el género con esta desmitificadora película de vaqueros. Irónicamente, ningún western de los 40, 50 ó 60 se había llevado el Oscar a casa y dos lo hicieron durante los 90: la discutida Bailando con lobos (1990) y esta maravilla.

66ª Edición. La lista de Schindler (Steven Spielberg, 1993). RT: 97%. Tras el fracaso de El color púrpura, que perdió los 11 Oscars a los que estaba nominada, Spielberg se reconcilió con la Academia y demostró que efectivamente había crecido. Este magnífico drama sobre el nazismo cuenta la historia de Schindler con realismo pero optimismo y, gracias la emotiva música y la cuidada fotografía en blanco y negro, se convierte en un logro artístico además de narrativo.

American Beauty, de Sam Mendes. Oscar en 1999.
"Algo va mal en la sociedad americana",
nos decía la maravillosa American Beauty
72ª Edición. American Beauty (Sam Mendes, 1999). RT: 88%. El debut de Sam Mendes en la dirección era una potente crítica al sueño americano brillantemente escrita, fotografiada e interpretada por Kevin Spacey y Annette Bening. Inolvidable fábula de la clase media americana llena de ironía y mordacidad que nadie debe perderse.

76ª Edición. El Señor de los Anillos. El retorno del rey (Peter Jackson, 2003). RT: 96%. Al premiar a la tercera entrega de El Señor de los Anillos, la Academia reconocía el impecable trabajo de todos los que habían hecho realidad la saga entera. Hasta el momento, se trata del único film fantástico premiado con el Oscar principal, al que sumó otras diez merecidas estatuillas.

77ª Edición. Million Dollar Baby (Clint Eastwood, 2004). RT: 91%. Esta durísima y profunda historia de superación personal llega al corazón gracias a la cuidada dirección de Eastwood y la inolvidable interpretación de Hilary Swank y es una de las pocas triunfadoras recientes que nadie discute, en parte porque todos celebran la derrota de Aviador, pero sobre todo por su impacto y honestidad.

Arwen camino de los Puertos Grises, El señor de los anillos. El retorno del rey
El Señor de los Anillos. El retorno del rey demostró
que el género fantástico puede tratar temas universales
Conforme nos acercamos a la actualidad las ganadoras por década se reducen, sin duda afectadas por no haber obtenido aun el estatus de clásicos que convierten a films como Casablanca y Lawrence de Arabia en ganadoras indiscutibles, pero sí parece que entre 1939 y 1964 la Academia estuvo especialmente acertada mientras que los años 80 son un auténtico desastre. Algunos títulos podrían estar en esta lista de no haber ganado por encima de films que, en opinión de muchos, lo merecían más (Annie Hall frente a Star Wars en 1977, Kramer contra Kramer en vez de Apocalypse now en 1979 o Crash ante Brokeback Mountain en 2005, por ejemplo) pero no quiere ello decir que no sean dignas ganadoras. Películas como Memorias de África (1985), El paciente inglés (1996), Titanic (1997), Sllumdog Millionaire (2008) o En tierra hostil (2009) han quedado fuera por las opiniones enfrentadas que despiertan, pero no dejan por ello de ser películas muy destacables.

Million Dollar Baby, de Clint Eastwood, con Hilary Swank
Million Dollar Baby es uno de los films más queridos
del alabado Clint Eastwood
Así, todos los films que no aparecen ni en este ni en el artículo de “Oscar a peor película”Los mejores años de nuestra vida (1946), Oliver (1968), Una mente maravillosa (2001)…– son sencillamente buenas películas que ganaron con dignidad pero no son necesariamente las mejores obras de sus respectivos años. He intentado ser objetivo con esta lista, valorando los porcentajes de aceptación de Rotten Tomatoes, las calificaciones de Filmaffinity e IMDB y mi propia percepción de las películas, pero no pretendo venderos ninguna verdad absoluta. Lo mejor es que cada uno disfrute de las ganadoras del Oscar y decida por él mismo si lo merecían o no. Mejores o peores, todas fueron elegidas en su momento por un motivo u otro y merecen nuestro respeto. Eso sí, si os falta por ver alguno de los títulos de esta lista… ¿a qué estáis esperando?


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