10 grandes directores sin Óscar

Mientras John Ford, Frank Capra y William Wyler coleccionan premios Óscar, varios directores de igual o superior importancia jamás ganaron uno. Federico Fellini, Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu o Ingmar Bergman son algunos ejemplos, pero, considerando que estos premios van dirigidos principalmente al cine estadounidense, dichos cineastas no pueden considerarse auténticos perdedores en un juego sin igualdad de condiciones. No; los diez directores a los que dedico hoy el blog son cineastas sin los cuales el cine estadounidense no habría sido el mismo, pero que, por un motivo u otro, carecen de un Óscar en su haber. Os dejo con mi top 10 (he señalado en negrita los títulos que, en mi opinión, podrían haber granjeado el Óscar a sus directores):

Nicholas Ray convirtió a James Dean en
icono de la juventud en Rebelde sin causa

10. Nicholas Ray (1911-1979). Maestro del encuadre y el color, Ray logró hacer “cine de outsider” dentro del propio Hollywood, algo que sin duda influyó en el hecho de que nunca fuera nominado al Óscar de dirección siquiera. Rebelde sin causa (1955) le granjeó una merecida nominación a mejor guión, pero ese año la Academia estuvo especialmente ciega y esta obra maestra pasó desapercibida, al igual que lo habían sido con anterioridad En un lugar solitario (1950) y Johnny Guitar (1953), un thriller y un western, respectivamente, dos géneros bastante infravalorados por estos premios. Ni siquiera realizar una de las mejores versiones de la historia de Jesucristo en Rey de reyes (1961) le valió mención alguna en unos galardones poco dados a premiar el riesgo.

Blake Edwards es el único que ha trasladado las
aventuras de la Pantera Rosa a la gran pantalla con éxito

9. Blake Edwards (1922-). Divertido y sofisticado a partes iguales, Edwards es especialmente recordado por la icónica Desayuno con diamantes (1961) y la saga de La Pantera Rosa iniciada en 1963, pero mostró su versatilidad al brillar tanto con la comedia absurda El guateque (1964) como con el drama realista Días de vino y rosas (1963). Inexplicablemente, los Oscars sólo se acordaron de él con la genial ¿Víctor o Victoria? (1982) protagonizada por su esposa Julie Andrews, aunque no en el campo de la dirección, sino en el de guión. A modo de disculpa, le fue entregado un Óscar honorífico en el 2004 al conjunto de su excelente carrera.

El austriaco Fritz Lang creó grandes películas
tanto en Alemania como en EE.UU.

8. Fritz Lang (1890-1976). Aunque la reputación de este cineasta austriaco fue forjada en Alemania con clásicos como Metrópolis (1927) que le convirtieron en una importante figura del expresionismo, este brillante cineasta desarrolló su carrera de madurez en Hollywood. El asesinato, la venganza y la seducción fueron la clave de impresionantes películas como La mujer del cuadro (1944), Perversidad (1945), Encuentro en la noche (1952) y Los sobornados (1953), pero, en tiempos de guerra y posguerra, esos no eran precisamente los temas favoritos de la sensible Academia y ninguna de ellas recibió mención alguna. El fuerte sentido de la moralidad y el tono sombrío de sus obras convierten a Lang en el cineasta que mejor supo alternar entre su tierra natal y Hollywood.

Ernst Lubitsch influyó a cineastas
 de la talla de Billy Wider

7. Ernst Lubitsch (1892-1947). Tan elegante como cínico, este director de ascendencia alemana empezó bien la carrera de los Oscars al ser nominado en su segunda y tercera edición por El patriota (1928) y El desfile del amor (1929), respectivamente, pero no volvería a optar al premio hasta catorce años después con El diablo dijo no (1943). Irónicamente, fue precisamente durante esa etapa cuando creó sus películas más aclamadas y memorables: Angel (1937), uno de los mejores ejemplos del uso de la elipsis cinematográfica, Ninotchka (1939), donde Greta Garbo reía por primera vez, y Ser o no ser (1942). Mientras que las omisiones de las dos primeras se deben sin duda al alto grado de competencia de dichos años, la parodia Ser o no ser, una comedia sobre el nazismo, fue recibida con absoluto desprecio en una época donde reírse de tales atrocidades era todavía complicado. Tuvieron que pasar años para que Hollywood comprendiera sus intenciones y aplaudiera su obra maestra. De todos modos, en 1947 se le entregó un merecido Óscar honorífico.

Angie Dickinson aporta la feminidad al mejor
western de Howard Hawks: Río Bravo

6. Howard Hawks (1896-1977). Aunque se le considera uno de los cinco grandes del cine hollywoodiense junto a William Wyler, Billy Wilder, John Ford y Frank Capra, Hawks tan sólo fue nominado al Óscar en una ocasión gracias a su trabajo en El sargento York (1941) en un año especialmente competitivo. Sin duda influyó en ello el hecho de que sus obras más recordadas se dieran en dos de los géneros más infravalorados: el western (Río Rojo, 1948 y Río Bravo, 1959…) y la comedia (La fiera de mi niña, 1938 y Luna nueva, 1940, ambas protagonizadas por el también infravalorado Cary Grant). Entre sus otras muchas obras, destaca su dirección de la pareja formada por Humphrey Bogart y Lauren Bacall en Tener y no tener (1944) y El sueño eterno (1946). Fue precisamente su habilidad para crear películas tan distintas carentes de sello personal lo que lo llevó a no ser apreciado como “autor” hasta años después. En 1975, obtuvo un Óscar honorífico por su impresionante carrera.

Stanley Donen codirigió Un día en Nueva York  
y otros dos films con Gene Kelly

5. Stanley Donen (1924-). Dada la afición de la Academia por los musicales, resulta especialmente sorprendente que uno de sus creadores más icónicos no obtuviera nunca una nominación siquiera. Quizá el hecho de que sus dos obras más populares (Un día en Nueva York, 1949 y Cantando bajo la lluvia, 1952) fueran codirigidas junto a Gene Kelly le restó posibilidades, pero que Charada (1963) y Dos en la carretera (1967), en las que dirigió a Audrey Hepburn con más gracia que nadie, no le valieran mención alguna es casi un delito. La Academia terminó dándose cuenta de ello y concediendo un Óscar honorífico en 1998 a este genial director y coreógrafo.

Stanley Kubrick dio a Jack Nicholson su papel
más memorable en El resplandor

4. Stanley Kubrick (1928-1999). La gran dedicación de este cineasta supuso que cada uno de los títulos de su breve pero intensa cinematografía despertara gran expectación. Aunque no siempre agradables de ver, todas sus películas han aportado algo a la historia del cine, desde la parodia de la Guerra Fría ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú (1964) hasta la durísima La chaqueta metálica (1987), pasando por la revisión de la ciencia ficción en 2001: Una odisea en el espacio (1968) –por la que obtuvo una estatuilla como co-creador de los efectos visuales–, la violenta crítica de la violencia La naranja metálica (1971) y la maravilla visual Barry Lyndon (1975). Kubrick fue nominado como guionista por todas ellas y como director por cuatro de ellas (todas salvo La chaqueta metálica), pero su estilo pesimista y claustrofóbico no se lo puso fácil para ganarse a la Academia. El hecho de que los Razzie le nominaran como peor director por la brillante El resplandor (1980) deja claro que, aunque amado por muchos, se trata de un director bastante infravalorado. Eso sí, con el paso de los años está ganándose más y más seguidores y empieza a correr el riesgo de pasar a ser sobrevalorado…

Charles Chaplin fue el primero en denunciar el peligroso
auge del nazismo, con El gran dictador

3. Charles Chaplin (1889-1977). Aunque Chaplin recibió un Óscar especial en la primera edición de estos galardones por interpretar, escribir, dirigir y producir El circo (1928), no fue nunca nominado en la categoría de mejor dirección. El gran dictador (1940) y Monsieur Verdoux (1947) le granjearon nominaciones como guionista y, por la primera de ellas, fue también nominado con pleno merecimiento en la categoría de mejor actor. Sin duda el hecho de que sus obras maestras Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1935) fueran mudas restó posibilidades a las mismas. Eso sí, Chaplin no carece de estatuillas, ya que recibió una como compositor por Candilejas (1952) en 1973 (año en que fue estrenada la película en EE.UU. pese a ser creada veinte años antes, debido al autoexilio del cineasta por ser acusado de comunista), un año después de recibir un premio honorífico “por su contribución a convertir el cine en el arte del siglo XX”, uno de los momentos más emotivos de la historia de los Oscars.

Orson Welles, al igual que Chaplin, controlaba
todo el proceso de creación cinematográfica

2. Orson Welles (1916-1985). Se dice que al dirigir su ópera prima Ciudadano Kane (1941) Welles rompió normas que ni siquiera conocía. Apenas contaba él veinticinco años cuando creó “la mejor película de la historia” gracias a la innovación en fotografía, sonido, efectos, maquillaje y decoración. Sin embargo, Welles sólo recogió un Óscar de los nueve a los que optaba (incluido mejor director) por esta película, el concerniente a mejor guión original. ¿Por qué? Hay varias razones para ello: en primer lugar, la película se basaba en el poderoso político y magnate de prensa William Randolph Hearst, cuyas ambiciones y extravagancias rebelaba sin temor; la ira de éste fue terrible y muchos consideraron que Welles había ido demasiado lejos; en segundo lugar, hay que recordar que la Academia no es precisamente una fanática de la innovación y que la idea de que un veinteañero rompiera todas las reglas de Hollywood no fue bien recibida por las altas esferas; y, en tercer lugar, hay que mencionar el contexto: recién superada la crisis económica y a punto de embarcarse en la II Guerra Mundial, un melodrama patriótico como Qué verde era mi valle, de John Ford, era visto con bastantes mejores ojos que una crítica del dinero. Fuera por lo que fuera, este magnífico cineasta no volvió a optar a Óscar alguno pese a crear películas tan aclamadas como La dama de Shanghai (1947) y Sed de mal (1958). Quizá los votantes nunca olvidaron que en 1938 Welles sembrara el pánico con su obra radiofónica “La guerra de los mundos”, que hizo creer a múltiples oyentes que la Tierra estaba siendo invadida por extraterrestres; quizá simplemente estuvieran envidiosos de que un rebelde creara películas tan brillantes. En cualquier caso, la Academia intentó arreglarlo con un Óscar honorífico en 1971, pero Welles ni siquiera lo recogió en persona.

Alfred Hitchcock es probablemente el cineasta
 con más obras memorables de la historia

1. Alfred Hitchcock (1899-1950). Como “Maestro del Suspense”, Hitchcock fue el primer director en ser tan famoso como las estrellas de sus películas. Cada uno de sus brillantes thrillers de terror lleva su sello personal pero todos aportan algo nuevo, tanto si fueron creados en Inglaterra o en EE.UU. Curiosamente, su primera película estadounidense (Rebeca, 1941) se alzó con el Óscar a mejor película, pero John Ford (sí, otra vez él) le arrebató el de mejor dirección por Las uvas de la ira. Hitchcock optó al Óscar en cuatro ocasiones más por Náufragos (1945), Recuerda (1945), La ventana indiscreta (1954) y Psicosis (1960) y debió haberlo ganado al menos en esta última ocasión pese a que la competencia (Billy Wilder por El apartamento) fuera tan dura. Quizá se habría alzado con él de no haber sido olvidadas Vértigo (1958) y Los pájaros (1963), ya que los ganadores de dichos años no estaban ni por asomo a su altura. La soga (1948), Extraños en un tren (1951) o Con la muerte en los talones (1959) tampoco rascaron premio alguno. ¿Cómo es posible? En este caso, la respuesta es sencilla: Hitchcock, amante de las buenas historias, no concedía importancia alguna a la moralidad de las mismas, algo que los defensores del Código Hays de censura no veían con buenos ojos. Además, es harto conocido que este brillante cineasta maltrataba a sus actores y acosaba a sus actrices. ¿Podemos culpar a alguien de no votarle después de esto? El debate sobre si los valores éticos deben tenerse en cuenta para valorar un film lo dejo para otro día. Aun así, en 1968 la Academia concedió a Hitchcock el premio Irving G. Thalberg por sus labores como productor.

Hasta aquí los diez cineastas olvidados por la Academia por una u otra razón. Todos ellos habrían merecido obtenerlo al menos en alguna ocasión, pero los Oscars no siempre son justos. Y no sólo por equivocarse, sino porque todo depende del contexto y la competencia. Como curiosidad, John Ford obtuvo cada uno de sus cuatro Oscars en años de obras maestras de Chaplin (Tiempos modernos, 1935), Hitchcock (Rebeca, 1940), Welles (Ciudadano Kane, 1941) y Donen (Cantando bajo la lluvia, 1952). Pero, claro, Ford es símbolo del patriotismo por excelencia y el resto son “outsiders”. En cualquier caso, el Óscar no lo es todo y estos diez cineastas serán siempre recordados por su excelencia en el campo de la dirección y por su encomiable aportación a la historia del cine. Y vosotros, ¿qué opináis? ¿Debieron ganar el Óscar o merecen lo que obtuvieron? ¿Añadiríais o quitaríais alguno? No olvidemos que la verdad absoluta no existe y que, en materia de premios, todo es relativo.

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